Cinema - Memórias/Lembranças

We Need to Talk About Kevin (Precisamos Falar Sobre o Kevin - 2011)

2012-02-09T21:13:00.000-02:00

Se estou vendo mais filmes no cinema ultimamente, muito disso se deve à proximidade do Oscar, como comentado na postagem anterior. Mas o curioso é que, simultaneamente aos oscarizados, vêm sendo lançadas algumas obras desprezadas pela Academia que, apesar (ou por causa) disso, parecem ser até mais interessantes. É o caso de We Need to Talk About Kevin, um filme que definitivamente merece ser destacado. Não por Hollywood, porém...

Eva (Tilda Swinton) e Franklin (John C. Reilly) são os pais de um garoto chamado Kevin (Jasper Newell/Rock Duer//Ezra Miller). O problema é que, desde bebê, sua relação com a mãe é extremamente tumultuada, o que se manifesta principalmente através da postura agressiva por parte dele. E o auge dessa rebeldia ocorre quando Kevin está prestes a completar dezesseis anos, na forma de um ato de consequências devastadoras para sua família.

Eis um filme que merece o adjetivo perturbador. A diretora Lynne Ramsay criou uma obra bastante intensa que impressiona não apenas pelo conjunto, mas até mais pelos detalhes. E entre esses detalhes estão desde sequências aparentemente banais, como a do ato de passar geleia em um pão, à elaborada montagem da obra, que é totalmente não linear. Um recurso interessante que confronta o sofrimento pós-tragédia com o tormento que supostamente a originou, retratando paralelamente a relação de Eva com o Kevin em crescimento e com o atual, após fazer o que fez.

O título Precisamos Falar Sobre o Kevin representa a ironia máxima da história em si, pois a falta de diálogo é um fator constante durante a obra inteira. O silêncio é uma ferramenta muito utilizada para solucionar problemas, permitindo que eles sejam convenientemente ignorados até que se resolvam sozinhos. O que às vezes funciona, mas, no caso do filme, se quinze anos não foram suficientes para tanto, as coisas talvez não sejam tão simples. E então, quando finalmente se resolve falar, pode ser que isso não importe mais. Ou simplesmente não haja mais o que falar.

Outro elemento importante na trama é o tema da culpa. Afinal, quando ocorre uma tragédia, é inevitável que se busque culpados para serem alvo do ódio gerado. Mas o objetivo do filme não é estabelecer culpados ou mesmo encontrar explicações exatas, e sim abordar as implicações de tais questões. Mostrar o quanto a culpa pode ser destrutiva, seja direcionada aos outros ou a si mesmo.

Nota: 9

The Descendants (Os Descendentes - 2011)

2012-02-06T21:09:00.001-02:00

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Em tempos de proximidade do Oscar, os principais indicados são lançados em massa aqui no Brasil, utilizando o evento como forma de atrair o interesse do público. É o caso de The Descendants, que, embora tenha recebido indicações importantes (para melhor filme, melhor diretor, Alexander Payne, e melhor ator, George Clooney, entre outras), é um exemplo típico de filme que deve sair da cerimônia com as mãos abanando. O que não diminui o fato de obra ser bem simpática.

Matt King (George Clooney) é um advogado que vê sua vida virar ao avesso após sua esposa sofrer um acidente e ficar à beira da morte. Principalmente porque ele precisa cuidar sozinho de suas duas filhas, a menina Scottie (Amara Miller) e a adolescente rebelde Alexandra (Shailene Woodley), que também vêm enfrentando dificuldades em lidar com a situação. Fora isso, como se sua cabeça já não estivesse cheia de preocupações, Matt acaba descobrindo que sua esposa o traía e planejava se divorciar dele.

O cenário da história é o Havaí, um lugar que para a maioria das pessoas é sinônimo de diversão e alegria. Mas logo no início do filme o narrador, que também é o protagonista, deixa claro que as coisas não são bem assim, pelo menos para ele (o que se pode perceber pela sinopse). E assim se forma uma antítese que permeia inclusive o tom geral da obra, que é uma mistura de drama e comédia. Como a própria vida.

O filme mostra de modo bem interessante certos aspectos relativos à maneira de se encarar uma morte. Quando um relacionamento é interrompido por um fator externo, ou seja, sem desejo próprio de se separar, a sensação de desamparo é inevitável. Principalmente quando a outra pessoa morre, pois não há esperança de a relação ser retomada. Mas o que fazer na situação de Matt King, que é descobrir que a pessoa amada já não o amava? Muitas vezes a morte tem o poder de santificar uma pessoa, criando uma imagem idealizada dela e diminuindo seus defeitos. Especialmente em um relacionamento amoroso, pois segue justamente a ideia romântica de amor interrompido, e não encerrado. Entretanto, no caso do protagonista de The Descendants, o coma da esposa cria um efeito meio que contrário. E provoca um silêncio, uma ausência de respostas, um vazio que se origina tanto da raiva quanto da tristeza.

Os sentimentos são conflitantes e o filme retrata essa ambivalência de maneira cativante. Assim com o relacionamento familiar de Matt e seus filhos, que possui sim seus clichês, mas sem deixar de transmitir humanidade.

Nota: 7

J. Edgar (2011)

2012-02-01T21:06:00.000-02:00

IMDb

Mais uma rodada dupla de cinema esta semana. Coincidentemente, foram dois filmes de dois diretores estadunienses famosos, cujos trabalhos são conhecidos por, entre outros motivos, manterem assinaturas autorais mesmo em meio às pressões da indústria hollywoodiana. Por outro lado, são dois cineastas com estilos completamente opostos de filmar em pelo menos um aspecto: Clint Eastwood geralmente faz uso de poucas tomadas, enquanto David Fincher gosta de repetir uma mesma cena por até dezenas de vezes. São métodos diferentes, não há jeito certo ou errado, melhor ou pior. O que existe são dois diretores com carreiras já consagradas.

O filme conta a história de John Edgar Hoover (Leonardo DiCaprio), oficial da lei que iniciou sua carreira na época da Primeira Guerra Mundial e foi responsável pela fundação do FBI, permanecendo à frente da agência por quase cinquenta anos. Durante esse período, ele tomou atitudes controversas com o objetivo de manter a segurança nacional, dedicando sua vida inteira ao trabalho. As únicas pessoas próximas a ele eram sua mãe, Anna Marie (Judi Dench), sua secretária particular, Helen Gandy (Naomi Watts), e seu diretor associado, Clyde Tolson (Armie Hammer).

Para compor um retrato abrangente de J. Edgar Hoover, Clint Eastwood dividiu a trama em duas narrativas paralelas: uma abordando o passado, com a ascensão e a consolidação da carreira do personagem, e a outra se passando no presente (décadas de 1960/1970), com o diretor já envelhecido e completamente estabelecido em sua função. A utilização de tal recurso é até interessante para permitir um acompanhamento da evolução do protagonista, mas se torna meio confusa devido ao fato de o retrato passado ser composto tanto por depoimentos do personagem quanto por acontecimentos não relatados por ele. Ou seja, há uma mistura de visões, em que durante certos momentos Hoover assume a função de narrador e em outras o narrador é onisciente. Se bem que é parte da proposta do filme criar uma imagem não totalmente clara do protagonista.

Um dos elementos que se destacam na obra é a abordagem da linha que separa segurança e privacidade. A fixação dessa fronteira é um processo praticamente cíclico, pois em momentos de grande tensão as pessoas são levadas a abdicar de certas liberdades individuais em nome de maior proteção. Passado algum tempo, entretanto, percebe-se que tais concessões foram exploradas além de um limite aceitável, de modo que é aclamada a necessidade de liberdade. Isso porque realizar concessões significa conceder poder e o poder, como se sabe, corrompe. Principalmente quando o poder deixa de ser usado para atingir um objetivo específico, por mais controverso que seja, e se torna fonte de satisfação pessoal. Ou como no caso de Hoover, em que o discurso de combater o crime e evocar a necessidade de segurança é na realidade uma maneira de reprimir suas próprias inseguranças.

Nota: 8

The Girl with the Dragon Tattoo (Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres - 2011)

2012-01-30T20:37:00.000-02:00

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Eis um exemplo de obra cujo título por si só já atrai muita atenção. Trata-se de uma mensagem direta e impactante, sem eufemismos ou meias palavras. Alguma relação com o fato de a Suécia ser conhecida por seus costumes liberais? Possivelmente. Aliás, direto e impactante são adjetivos para descrever também não apenas o título, mas o filme de David Fincher em si, baseado no primeiro tomo da trilogia Millenium, best seller do autor sueco Stieg Larsson.

Mikael Blomkvist (Daniel Craig) é um jornalista de uma revista chamada Millenium que, após ser condenado por difamar um influente empresário corrupto, vê sua vida profissional cair em desgraça. Mas ele enxerga uma chance de se restabelecer ao aceitar um pedido de investigação por parte de Henrik Vanger (Christopher Plummer), um industrial aposentado que busca descobrir a verdade por trás do assassinato de sua neta, quarenta anos antes. Para tanto, Mikael inicia um delicado estudo dos membros da problemática família Vanger, contando com o auxílio de uma exótica assistente: a hacker punk Lisbeth Salander (Rooney Mara).

Vou começar com aquele aviso habitual: não li o livro em que o filme se inspira. E também não vi a adaptação cinematográfica sueca realizada anteriormente, em 2009. Fora isso, não tive e nem busquei muitas informações sobre do que se trata a obra, de modo que fui ao cinema para ser surpreendido. Mas dessa vez David Fincher não me impactou tanto quanto em outras ocasiões.

O filme é um misto de drama pessoal e suspense de investigação, mas os dois gêneros não produziram um encaixe totalmente perfeito. No início da trama os dois personagens principais são apresentados e, embora haja uma conexão inicial entre eles, seus caminhos tomam rumos diferentes, sendo que em um se concentra a face dramática da obra e no outro a de suspense, produzindo narrativas paralelas meio que desarticuladas. Inevitavelmente, porém, ambos acabam se entrelaçando (tanto os caminhos quanto os gêneros) e é interessante a forma como se combinam: os dois protagonistas são indivíduos perdidos, tentando encontrar seus rumos e meio que acabam se encontrando um no outro, mesmo com as (ou por causa das) diferenças óbvias entre eles. Assim, como geralmente acontece em thrillers, todas as peças do quebra-cabeça acabam se encaixando no final. Apesar de a figura que se forma parecer meio torta ou estranha...

O filme traz algumas grandes cenas e possui uma personagem, Lisbeth, de quem é praticamente impossível não se gostar. Por outro lado, assim como ela se sente em relação ao mundo, há algo em The Girl with the Dragon Tattoo que soa meio deslocado no conjunto da obra. É produzida uma conexão interessante entre os protagonistas, mas entre os gêneros cinematográficos nem tanto.

Nota: 7

Jodaeiye Nader az Simin (A Separação - 2011)

2012-01-26T19:53:00.000-02:00

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O filme se chama A Separação e foi produzido no Oriente Médio... É quase inevitável imaginar que a obra lida com questões políticas conturbadas. Mas se trata na verdade de um poderoso drama familiar, que foi premiadíssimo no Festival de Berlim de 2011, recebendo inclusive o Urso de Ouro. E que é favorito absoluto para receber o Oscar de melhor filme em língua estrangeira este ano.

Nader (Peyman Moadi) e Simin (Leila Hatami) são um casal em processo de divórcio. No meio desse conturbado desenlace, está a filha pré-adolescente do casal, Termeh (Sarina Farhadi), e o pai de Nader (Ali-Asghar Shahbazi), um senhor idoso que sofre de Alzheimer. Assim, quando Simin resolve deixar sua casa, seu marido decide contratar uma doméstica chamada Razieh (Sareh Bayat) para cuidar do pai enquanto ele trabalha. O problema é que certos acontecimentos inesperados acabam por tornar a situação ainda mais complicada.

Muito surpreendente o trabalho do diretor iraniano Asghar Farhadi. Não deixa de ser preconceito, sem dúvida, mas era esperado que uma obra do cinema iraniano tão prestigiada em festivais pelo mundo tivesse como foco aspectos de política internacional. Ou de denúncia contra o rígido e fechado regime de governo local. A verdade, entretanto, é que a grande força do filme vem de seu engenhoso drama ideológico familiar.

A Separação trata de delicados questionamentos morais, incomodando o espectador ao percorrer continuamente a tênue linha que separa o que é ético ou não. E a obra adquire contornos ainda mais surpreendentes ao adicionar o componente familiar na história, expandindo o tema da moralidade de forma a englobar outro elemento poderoso: a questão da culpa. O que é tratado de forma espetacular ao se utilizar de Termeh, a filha do casal, como centro da discussão. Principalmente porque ela assume um papel meio que de consciência na trama, mostrando que, no fim das contas, é difícil apontar um culpado. Ou se há alguém inocente no mundo. Algo que, de certa forma, não deixa de ter um viés político...

Nota: DEZ

The Adventures of Tintin (As Aventuras de Tintim - 2011)

2012-01-24T20:05:00.000-02:00

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Como a Pixar não causou grande impressão em 2011 (com seu Cars 2), o vencedor do Globo de Ouro na categoria de melhor animação foi The Adventures of Tintin (que estreou ano passado nos EUA). Seria uma boa aposta para o Oscar... antes que eu descobrisse que filmes criados a partir da técnica de motion capture não são elegíveis pela Academia. Um bom tema para reflexão, a qual incluiria a sugestão (não seguida) de indicação de Andy Serkis na categoria de melhor ator por seu trabalho em Rise of the Planet of the Apes, como o chimpanzé Caesar. Mas, deixando essa questão de lado, não sei dizer se Tintim mereceria o prêmio, mesmo se estivesse no páreo.

Tintim (Jamie Bell) é um jovem, famoso e aventureiro repórter. Certo dia, ele adquire um modelo em miniatura do navio chamado Licorne, que parece carregar um misterioso segredo, segundo o alerta de um colecionador chamado Ivan Sakharine (Daniel Craig). Assim, Tintim e seu inseparável companheiro, o cão Milu, iniciam uma grande aventura que os leva, entre outros destinos, ao encontro de um capitão de navio beberrão chamado Haddock (Andy Serkis).

Da série em quadrinhos de Tintim criada por Hergé, li apenas um volume. Da série animada produzida com bastante fidelidade na década de noventa, acompanhei todos os episódios com entusiasmo, mas confesso não me recordar com muitos detalhes dela. Assim, vou tentar tratar esta adaptação de Steven Spielberg sem comparar com o material original. E também não vou fazer um paralelo entre o traço de Hergé e o estilo de animação tridimensional utilizado no filme, pois é um assunto de que não tenho muito interesse.

O compromisso do filme é com a diversão. Trata-se de uma aventura com tons de comédia, cujo roteiro não possui aspirações dramáticas relevantes. Em cima disso, há uma cena espetacular de perseguição que explicita muito bem a qualidade técnica da obra. Por outro lado, The Adventures of Tintin é mais um exemplo de filme com o qual não consegui me conectar totalmente (será que seria melhor ter visto a versão dublada?). Algumas piadas funcionam ("O que é este líquido peculiar? É completamente transparente..."), outras nem tanto. Alguns personagem despertam empatia, outros não. A impressão é que Spielberg fez um novo Indiana Jones, mas falta o carisma de um Harrison Ford.

Nota: 6

Tinker Tailor Soldier Spy (O Espião que Sabia Demais - 2011)

2012-01-19T15:16:00.000-02:00

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Dois filmes que estrearam nesta última semana apresentam características semelhantes. As histórias de ambos se passam na Inglaterra, em uma época passada, e são protagonizadas por agentes da lei responsáveis por investigar e desvendar os planos de seus inimigos em nome da segurança do seu país. Fiquei em dúvida em qual filme escolher, mas acabei preferindo a seriedade de Tinker Tailor Soldier Spy, adaptado por Tomas Alfredson do best seller de John le Carré, à diversão da continuação de Sherlock Holmes. Uma decisão que não sei se foi acertada.

Na década de 1970, o veterano agente George Smiley (Gary Oldman) é afastado do serviço de inteligência britânica como consequência de um caso mal-sucedido. Algum tempo depois, entretanto, seus talentos são requisitados novamente pelo governo para uma importante missão: há fortes indícios de que um de seus ex-colegas seja um espião soviético infiltrado, e cabe a Smiley encontrá-lo.

O filme consiste em um thriller de espionagem com uma premissa muito interessante: retratar o angustiante processo de contraespionagem. Angustiante porque se trata de uma inversão de papéis em que o espião se torna o espionado. Ou seja, o agente acostumado a mentir e a dissimular em busca de seus objetivos passa a ser vítima desse mesmo tipo de armação. Logo, a desconfiança inerente da profissão assume ares de paranoia, pois os colegas de trabalho deixam de ser companheiros leais para se tornarem suspeitos. A vida de espião é psicologicamente atormentada por tais dúvidas e a trama até aborda questões interessantes relativas a esse fato, mas o resultado final deixa a desejar.

O maior problema do filme parece ser algo comum a várias adaptações de obras literárias: a condensação do roteiro. A velocidade com que os acontecimentos se sucedem e as informações são transmitidas provoca certa confusão. Algo até corriqueiro em obras de suspense e mistério, mas que neste caso parece exagerado. Pois a sucessão incessante de flashbacks, relatos e dramas pessoais não de um, mas de diversos personagens, produz uma mistura de ingredientes que prejudica a degustação do todo. Em certos momentos há um ou outro momento de calmaria, que valoriza a contemplação e evidencia as qualidades da obra. São apenas exceções, contudo.

Nota: 6

War Horse (Cavalo de Guerra - 2011)

2012-01-12T15:26:00.000-02:00

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Steven Spielberg, um dos principais cineastas de Hollywood, está de volta. E em dose dupla, já que em algumas semanas deve entrar em cartaz mais uma obra do diretor, a adaptação cinematográfica de Tintim. Em relação a War Horse, o retorno de Spielberg consiste em uma nova incursão em uma temática que já se mostrou bem especial para ele, a guerra. Por outro lado, como muito se vem comentando na mídia, o filme reserva também uma história de amizade que se assemelha com a de uma de suas obras mais famosas, E.T. E tal contraste funciona muito bem.

Albert Narracott (Jeremy Irvine) é um garoto inglês cujo melhor amigo é um cavalo chamado Joey. Mas eles se veem obrigados a se separar quando se inicia a Primeira Guerra Mundial, e o animal é levado ao campo de batalha.

No início da trama, a proposta do filme parece ser humanizar a figura de Joey. Um recurso utilizado frequentemente em animações, mas em escala muito menor em obras de live-action. Por sinal, a palavra humanizar provavelmente não é a mais apropriada neste caso, por dois motivos. Primeiro, porque o objetivo não é fazer o cavalo falar ou assumir um comportamento antropomórfico, mas ressaltar seus sentimentos. E segundo, porque humanidade e sentimento são palavras cuja ligação meio que se perde quando o assunto é guerra.

Um dos grandes atrativos de War Horse é fornecer um ponto de vista incomum sobre a guerra. Um olhar que, certas vezes, impressiona por sua expressividade, mostrando que mesmo um cavalo também possui suas próprias janelas da alma. Trata-se de uma visão diferente, de certa forma até indiferente, ou ingênua, que, por mais estranho que pareça, proporciona um retrato humano bem completo. Isso porque Joey passa por uma série de situações que refletem várias facetas do conflito e como ele afeta diversos tipos de pessoas. O que ecoa também na variedade de gêneros encontrados no filme, incluindo comédia, drama e contornos épicos.

Em termos gerais, Spielberg cria uma obra hollywoodiana como ele sabe muito bem fazer. O tom geral beira a fantasia, ou, sob um ponto de vista mais raso, até mesmo a irrealidade. Por outro lado, em se tratando de guerra, que é um tipo de evento que reflete até que ponto a irracionalidade humana é capaz de atingir, nada pode ser considerado realmente absurdo. Afinal, se matar pessoas indiscriminadamente é algo válido, por que um cavalo parar o conflito não pode ser também?

Nota: 8

Un Amour de Jeunesse (Adeus, Primeiro Amor - 2011)

2012-01-04T19:49:00.001-02:00

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Ano novo, vida nova... Hora de renascer, de deixar as lamentações no passado e se concentrar em novos objetivos e novas realizações. É tempo de mudar, pois a vida consiste em constante mudança, por mais estranho que isso soe. Coincidentemente, tais pensamentos combinam perfeitamente com Un Amour de Jeunesse, filme francês dirigido por Mia Hansen-Løve.

Camille (Lola Créton) é uma adolescente de quinze anos completamente apaixonada por Sullivan (Sebastian Urzendowsky), seu namorado. Mas, após ele partir em uma longa viagem pela América do Sul, o rapaz decide subitamente terminar o relacionamento entre os dois. Camille, naturalmente, sofre muito com a rejeição, mas aos poucos retoma seu caminho. Pelo menos até que, muitos anos depois, Sullivan ressurge em sua vida.

Como o próprio título indica, o filme trata de um primeiro amor. Ou, de acordo com o título original, de um amor de juventude, uma expressão que descreve de modo ainda mais exato o relacionamento central da trama. Um relacionamento de adolescentes apaixonados, com ingenuidade, fantasia e dramaticidade típicas. Em seguida, quando ele se encerra, torna-se mais evidente o tema principal da obra, que é a questão do crescimento/amadurecimento, assunto comum à grande maioria dos filmes que retratam o universo jovem. Um amadurecimento que, por outro lado, se vê em conflito quando o passado retorna.

Talvez o detalhe mais cativante do filme seja a maneira com que os personagens e seus relacionamentos são desenvolvidos, que soa muito real. São vidas que fluem tão naturalmente quanto o curso livre de um rio. Alguns correm mais rápido ou têm mais obstáculos ao longo de seus leitos que outros, mas todos costumam sempre escoar em um único sentido. E tentar mudar isso é pedir para se afogar.

Nota: 7

2011-12-08T14:29:00.001-02:00

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Já fazia várias semanas que não ficava em dúvida na escolha de um filme para ver. Nenhuma obra em cartaz despertava meu interesse e, quando enfim tomei uma decisão, optei por seguir uma via não muito comum: deixei de lado o cinema autoral em que havia mergulhado ultimamente para assistir a uma típica comédia romântica. Ou não tão típica assim, já que há uma série de elementos que afastam o filme de Lone Scherfig (baseado no livro de David Nicholls) desse estigma. Mas não totalmente.

Dexter (Jim Sturgess) e Emma (Anne Hathaway) formam um casal de jovens que, em 15 de julho de 1988, dia de sua formatura, passam a noite juntos. O filme retrata os acontecimentos desta mesma data nos anos subsequentes, mostrando a evolução nas vidas dos personagens, bem como os encontros e desencontros entre eles.

O detalhe mais interessante do filme é sua estrutura narrativa. A trama segue uma ordem cronológica (sem contar uma ou outra exceção), mas tem como diferencial a descontinuidade dos eventos retratados. Cada dia em questão representa meio que uma fotografia momentânea de uma vida, trazendo memórias que, se não representam o todo, carregam lembranças que, ruins ou boas, merecem ser guardadas. É óbvio que a ocorrência recorrente de eventos relevantes em um dia específico do ano consiste em algo forçado, mas tal recurso de roteiro não deixa de ser válido. O que deixa a desejar é o fato de a trama não apresentar nada de muito diferente, de surpreendente em relação a outras histórias do gênero. Por outro lado, é divertido acompanhar o crescimento dos personagens, e há uma ou outra cena que vale guardar. Como a em que se diz, "Eu te amo muito. Eu só não gosto mais de você."

Nota: 6

Restless (Inquietos - 2011)

2011-12-01T18:42:00.001-02:00

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Dando continuação à invasão de filmes autorais no cinema atualmente, esta semana houve a estreia da mais nova obra de Gus Van Sant. Van Sant é um diretor cuja carreira trafega entre o indie/autoral e o mainstream/comercial, ou algumas vezes até mesmo por uma terceira via intermediária, já que a fronteira entre um e outro nem sempre é simples de definir (fora que um filme de alto orçamento pode sim apresentar a assinatura completa de seu diretor, quando este possui grande prestígio frente ao estúdio que o contratou). Mas em relação a Restless, suas características são realmente de filme indie, tanto que a mão de Gus Van Sant se mostra muito presente.

Enoch (Henry Hopper) é um garoto que vive frequentando funerais de desconhecidos. No restante de seu tempo, ele convive bastante com seu melhor amigo, o fantasma de um soldado japonês chamado Hiroshi (Ryo Kase). Certo dia, ao assistir a um funeral, Enoch acaba conhecendo uma garota chamada Annabel (Mia Wasikowska). Os dois se tornam bem próximos, especialmente após ela revelar que sofre de câncer.

Pela sinopse, pode-se esperar um filme romântico e meloso ao extremo, feito na medida para emocionar e levar os espectadores às lágrimas. Não que não haja nenhuma verdade nessa descrição irônica, mas reduzir Restless a uma fórmula banal de geração de choro seria uma injustiça. A trama, por sinal, carrega sim muita emoção, mas é interessante a forma como ela é trabalhada nos personagens. Principalmente ao se considerar os cinco estágios da morte apontados pela renomada psiquiatra Elisabeth Kübler-Ross (negação, raiva, barganha, depressão e aceitação), cuja sequência de ocorrência é meio que bagunçada pelo filme. O que faz muito sentido se for levado em conta que os sentimentos humanos carregam uma boa dose de subjetividade e imprevisibilidade, por sua própria riqueza e natureza.

O filme encanta por retratar com um tom relativamente leve a questão da morte em um relacionamento juvenil, aproveitando a ingenuidade e a impulsividade características da idade. Além disso, o roteiro apresenta ótimos diálogos, as atuações são bem convincentes e há algumas sequências muito especiais, como a em que Enoch entra na casa de Annie sem esperar alguém abrir a porta. E a cena de encerramento.

Nota: 8

Le Gamin au Vélo (O Garoto da Bicicleta - 2011)

2011-11-24T18:02:00.001-02:00

Medianeras (Medianeras - Buenos Aires na Era do Amor Virtual - 2011)

2011-09-14T20:08:00.000-03:00

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Raramente sou pego desprevenido no cinema. Talvez seja um defeito meu, mas geralmente seleciono criteriosamente os filmes a que planejo assistir. Ou seja, quase nunca vou ao cinema por impulso. E esse não foi exatamente o caso de Medianeras, já que li a sinopse e tal, mas isso não impediu que eu fosse totalmente surpreendido com o que vi. Em grande parte, é verdade, com um fato meio estranho: todas as fontes que consultei diziam que se tratava de um drama. Não que não haja tons dramáticos, mas eles são bastante contrabalançados por uma série de momentos cômicos.

Martín (Javier Drolas) é um rapaz meio complexado que quase não sai de seu apartamento e vive em frente ao seu computador. No prédio vizinho ao dele mora uma garota chamada Mariana (Pilar López de Ayala), que, após sair de um longo relacionamento, tenta seguir sua vida em meio à bagunça em que se encontra.

O tema do filme do diretor Gustavo Taretto é, em uma palavra, o caos. Tanto que o pano de fundo é Buenos Aires, uma metrópole com um crescimento vertiginoso e irregular nas últimas décadas (assim como São Paulo, por exemplo). Além disso, outro elemento relevante na trama é a internet, mais um símbolo de modernidade desenfreada com seu bombardeio contínuo de informação e comunicação. Tudo isso para auxiliar a composição de um retrato da face mais caótica e clássica da humanidade, que é a questão dos relacionamentos amorosos. O eterno mistério de o que aproxima e/ou afasta as duas metades de um casal.

O mais interessante de Medianeras é a sua criativa estrutura, que lembra bastante uma das melhores comédias dos últimos anos, que é (500) Days of Summer, de Marc Webb. Há cenas visualmente caprichadas, uma abordagem poética das situações vividas pelos protagonistas, referências pop divertidas e ótimos diálogos/pensamentos. E a já citada mistura entre cenas cômicas e comoventes, que funciona muito bem.

Nota: 8

Super 8 (2011)

2011-09-08T21:04:00.001-03:00

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Pois é, esta é uma daquelas semanas de filme velho. Na verdade, não se completou nem um mês desde que Super 8 estreou, mas o rótulo velho se adequa perfeitamente à obra em sua essência temática. Pois o diretor J. J. Abrams realiza uma homenagem aos clássicos blockbusters de décadas atrás, em especial aos de Steven Spielberg. Spielberg que, por sinal, atua como produtor neste filme.

Em 1979, um grupo de adolescentes de uma pequena cidade, entre eles o especialista em efeitos Joe Lamb (Joel Courtney) e a atriz Alice Dainard (Elle Fanning), tenta criar um filme de zumbis. Mas durante a filmagem de uma cena ocorre um gravíssimo acidente de trem que destrói completamente o local em que gravavam. E, como se isso não bastasse, após o incidente outros eventos estranhos começam a acontecer na região.

A palavra é... nostalgia. Para começar, o retrato de 1979 inclui cenário, figurino e objetos de cena (em especial, a própria câmera Super 8) típicos da época. Além disso, a ambientação se torna mais imersiva com o auxílio da trilha sonora de Michael Giacchino. E, para completar, há o roteiro e a temática que se inspiram claramente nos blockbusters antigos de Spielberg. Trata-se de uma homenagem ao passado e à própria arte cinematográfica, através do aspecto metalinguístico da obra, mas que é trazida ao presente (mesmo sem apresentar muita originalidade) através da tecnologia atual e da mão de J. J. Abrams. Abrams é um diretor que pode sem dúvida ser considerado um autor, já que possui um estilo bem característico. Tomando como exemplo o seriado Lost, do qual foi cocriador e produtor-executivo, as semelhanças são muitas: cenas de desastre, elementos de ficção científica, abordagem do relacionamento entre pais e filhos, conspirações... Mas o detalhe mais interessante em seu trabalho é a bela mistura entre suspense e drama humano. Principalmente quando o suspense é utilizado para alavancar e valorizar o aspecto humano dos personagens.

Nota: 7

Rise of the Planet of the Apes (Planeta dos Macacos: A Origem - 2011)

2011-08-31T20:18:00.000-03:00

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Eis mais um daqueles filmes que dão seguimento a uma franquia bem-sucedida. Dessa vez, porém, não se trata de uma continuação, mas de uma prequel. Ou, mais especificamente, de um reinício, de uma nova abordagem para não apenas retratar a origem da série, mas também explorar sua mitologia em possíveis sequências (assim como no caso de Batman, de Christopher Nolan, ou de Star Trek, de J. J. Abrams). Se haverá uma continuação? Não sei. Mas se isso depender exclusivamente da qualidade deste reinício, não há por que não insistir na história.

Will Rodman (James Franco) é um cientista que busca encontrar a cura para o Mal de Alzheimer, doença que acomete seu pai, Charles (John Lithgow), em estágio avançado. Para isso, Will realiza experimentos em chimpanzés e, através de um filhote chamado Caesar (Andy Serkis), que vive com ele como parte da família, é comprovado que a droga sintetizada produz como efeito um aumento considerável de inteligência das cobaias.

O diretor Rupert Wyatt realiza um trabalho muito competente. Rise of the Planet of the Apes traz elementos e temática de filme-catástrofe, mas o que mais chama a atenção é a interessantíssima abordagem das relações entre homem e chimpanzé, que em certas ocasiões se caracterizam pela comoção e em outras pela explosão. A dualidade de comportamento, por sinal, é uma constante que permeia toda a obra, especialmente através do conflito entre racionalidade e selvageria. De um lado há um pesquisador com o poder da ciência, embora sua motivação principal seja extremamente emocional. E do outro lado se encontra um animal supostamente selvagem que é agraciado com o poder da razão. Mas o mais curioso é que o conflito principal não é exatamente entre eles, e sim no interior de cada um individualmente. Ou ainda no entorno deles, em que se mostra o quão perigoso é não o confronto, mas a união da razão em favor da selvageria. Algo que, infelizmente, está longe de ser apenas ficção científica.

Nota: 8

2011-07-28T17:17:00.000-03:00

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Brillante Mendoza é um cineasta filipino bastante premiado. Ele recebeu, por exemplo, o prêmio de melhor diretor no Festival de Cannes em 2009, por Kinatay. Lola, aliás, também angariou homenagens em vários festivais e participou da seleção oficial em Veneza, ainda em 2009. Esse é um dos grandes benefícios da globalização, que traz um filme das Filipinas aos cinemas brasileiros. Mas é necessário fazer uma ressalva: as legendas criadas para essa obra são das piores que já vi.

A avó Sepa (Anita Linda) é uma senhora que teve um de seus netos morto em um assalto e não tem condições financeiras de realizar os serviços funerários dele. Por outro lado, a avó Puring (Rustica Carpio), cujo neto é o assassino, esforça-se de todas as maneiras para livrá-lo da cadeia.

Essa semana, no dia vinte e seis de julho, comemorou-se o dia dos avós. Geralmente a imagem da vovó remete à figura simpática e bondosa que possui como grande prazer agradar seus netinhos. Pois esse é o mote de Lola (palavra que significa justamente avó). Assim, o maior atrativo do filme é acompanhar os árduos caminhos das duas senhoras em angariar recursos para sustentar suas famílias. O tom de crítica social é veemente diante das condições desfavoráveis retratadas, em que até mesmo a morte carrega um custo financeiro significativo, somando-se ao emocional. E, em meio a esse cenário, é comovente como as relações incondicionais entre avós e netos ainda se sobressaem. Algo que pode ser resumido em certas cenas da parte final da trama, em que as duas senhoras, em posições antagônicas, encontram-se frente a frente. Ou lado a lado.

Nota: 8

Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 (Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2 - 2011)

2011-07-20T21:19:00.000-03:00

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2011-06-09T14:58:00.000-03:00

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Sobre os outros elementos do filme, é estranho que o período em que o protagonista passa na Terra pareça meio deslocado no conjunto. É nessa parte da trama que afloram, por exemplo, o humor e as cenas românticas típicas de uma obra hollywoodiana, que afinal não podiam faltar em um blockbuster. Mas se por um lado elas servem para aliviar a carga dramática e épica que permeia o lado asgardiano da obra, por outro não se encaixam muito bem com o restante. Se bem que esse incômodo não é suficiente para suprimir o fato de que Thor é o melhor filme de um herói Marvel produzido até agora.

Nota: 7

Des Hommes et des Dieux (Homens e Deuses - 2010)

2011-04-28T22:22:00.000-03:00

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O elogiado filme desta semana foi agraciado com o Grande Prêmio no Festival de Cannes em 2010. A história em que ele se baseia é real e reflete questões políticas e religiosas que não se restringem apenas à África, mas a todo o planeta. E talvez esse seja o motivo que o torna ainda mais relevante do que já seria.

Em um mosteiro na Argélia vive um grupo de monges cristãos franceses, liderados por Christian (Lambert Wilson). Ele se situa nas proximidades de um vilarejo de população muçulmana, mas todos os habitantes convivem harmoniosamente apesar de suas crenças aparentemente diferentes. Entretanto, o crescente número de ações contra estrangeiros por parte de terroristas fundamentalistas ameaça a paz local. E faz os monges refletirem sobre a necessidade de abandonar a região.

A obra de Xavier Beauvois trata de uma série de temas extremamente essenciais. Um deles é a relação entre terrorismo e religião, que por sua vez consiste de dois aspectos praticamente opostos: a visão fundamentalista, que distorce a fé para justificar ações violentas, e a visão esperançosa, em que a fé é utilizada como um ponto de apoio e proteção para não se deixar dominar pelo medo. Além disso, outro assunto que merece destaque é a questão política envolvida no conflito. O filme mostra um vilarejo em que cristãos e muçulmanos convivem tranquilamente até que o conflito armado altera a rotina local. Seja através de abusos por parte de rebeldes terroristas ou mesmo de soldados do governo, o que torna a abordagem mais abrangente e serve como crítica ao tratamento dado a imigrantes em certos países. Mas o tema mais fundamental, que consiste no grande mérito da obra, é destacar a hipocrisia por trás dos chamados conflitos étnico-religiosos ao redor do mundo. Pois o que existe realmente por trás deles não são motivações espirituais, diferenças de costumes ou disputas por reconhecimento de direitos, mas apenas a ambição de poder e posses materiais. Uma pura e simples necessidade de demonstração de força. Por falar em força, vale um último e mais feliz comentário: é impressionante como um número de O Lago dos Cisnes com um grupo de intérpretes praticamente estáticos pode ser tão emocionante.

Nota: 8

Rio (2011)

2011-04-20T21:23:00.000-03:00

2011-02-10T19:37:00.000-02:00

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O segundo filme desta semana consiste em uma obra que estava muito curioso para ver mesmo antes de estrear. Primeiro porque é dirigida por um cineasta que admiro, Darren Aronofsky, e segundo porque tem uma das minhas musas (e de tantos outros milhões ao redor do mundo), Natalie Portman. Natalie que, por sinal, deve receber o Oscar de melhor atriz este ano. E ele deve ficar em boas mãos, pois é realmente uma bela atuação. Sobretudo pelos olhares poderosos que ela empresta à sua personagem.

2011-01-13T20:40:00.000-02:00

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Clint Eastwood é um dos meus cineastas preferidos, embora ele seja quase um intruso na minha lista. Isso porque a esmagadora maioria dos diretores de que gosto possuem estilos meio que extravagantes para contar suas histórias, seja na composição visual, na técnica de filmagem, na elaboração do roteiro ou (principalmente) na profundidade e na transgressividade com que abordam determinados temas. Mas Clint, por outro lado, possui um estilo que cativa por sua simplicidade. O que não é nenhum demérito, muito pelo contrário, já que tal simplicidade oferece ao espectador um retrato humano sem rodeios, sob uma forma quase que nua (tanto que não é à toa que os atores de seus filmes frequentemente são indicados em premiações, inclusive o Oscar). E é um estilo que se mantém em Hereafter, mesmo considerando a extravagante (e ótima, por sinal) sequência de abertura.

Marie Lelay (Cécile de France) é uma jornalista francesa que passa por uma experiência de quase-morte durante uma viagem à Tailândia. George Lonegan (Matt Damon) é um psíquico estaduniense capaz de se comunicar com pessoas mortas, mas que decidiu deixar de usar seu dom devido à pressão psicológica que o abatia. Marcus (Frankie/Jason McLaren) é um garoto inglês que, após perder um parente próximo, não consegue mais encontrar seu próprio caminho. Três histórias diferentes em três locais distintos mas que envolvem um assunto em comum: como lidar com a morte.

2010-09-09T14:15:00.001-03:00

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Em mais uma semana sem estreias empolgantes, resolvi dar aquela velha olhada na lista de filmes que havia ignorado anteriormente. E, em um misto de curiosidade e ceticismo, deparei-me com The Last Airbender, que recebeu três estrelas da crítica do OESP e quatro (isso mesmo, quatro) da Folha. Assim, com avaliações positivas dos dois maiores jornais de São Paulo, resolvi me arriscar nesta adaptação da série animada Avatar: The Last Airbender (que perdeu o Avatar de seu título para evitar confusões com o homônimo de James Cameron).

As nações do Ar, da Água, da Terra e do Fogo compõem um mundo que se caracteriza pelo equilíbrio dos quatro elementos. E dentro de cada uma delas, há indivíduos conhecidos como Dominadores que são capazes de controlar e manipular o elemento em questão. No entanto, nos últimos tempos o reino do Fogo vem realizando uma expansão de seus domínios, utilizando sua força para conquistar territórios de outras nações e subjugar os Dominadores rivais. É nesse contexto que se torna ainda mais relevante a figura lendária do Avatar, o único indivíduo capaz de controlar todos os quatro elementos e responsável por manter a paz mundial, mas cuja mais recente encarnação se encontra ausente. Certo dia, contudo, uma jovem Domadora da água chamada Katara (Nicola Peltz) e seu irmão mais velho Sokka (Jackson Rathbone) encontram durante uma caçada algo preso misteriosamente no interior de um lago congelado. E ao libertarem a figura, descobrem que se trata de um jovem Dominador do ar chamado Aang (Noah Ringer), que mais tarde revela ser o mítico Avatar. Sua aparição, entretanto, acaba naturalmente atraindo a atenção da nação do Fogo, de modo que ele passa a ser perseguido pelo príncipe Zuko (Dev Patel), que pretende capturá-lo para recuperar a confiança perdida por seu pai, o Lorde Ozai (Cliff Curtis).

M. Night Shyamalan é um diretor que vem sendo muito contestado nos últimos anos. Mas acho que as críticas sobre o criador de The Sixth Sense são até certo ponto exageradas. The Village, por exemplo, é um filme de que gosto bastante. E posso dizer o mesmo de Lady in the Water, que considero uma bela fábula. Por outro lado, The Happening é sim um trabalho de que não tenho nenhuma lembrança agradável. Agora, quanto a The Last Airbender... Creio que pode ser considerado pelo menos razoável. Pois, sem nenhum conhecimento da série animada em que o filme se baseou, posso dizer que a obra consiste em um épico de fantasia com ideias interessantes. Como o simbolismo dos elementos, com o fogo assumindo o papel da força irresistível que se alastra desgovernadamente, a água com sua característica de fluência natural e aceitação, e o ar que circula entre os demais elementos, o que justifica o fato de o Avatar ser naturalmente um Domador do ar. Mas é uma pena que as implicações filosóficas permaneçam extremamente diluídas em uma história que parece mais um compacto do que uma trama completa. O que não deveria ser uma surpresa, já que condensar uma temporada inteira de uma série em um filme de cem minutos dificilmente poderia produzir um resultado diferente. De qualquer maneira, a sensação de ser engolido pela história foi extremamente intensa (muito mais do que a dos filmes mais recentes de Harry Potter ou dos dois de Dan Brown, por exemplo), o que, se não prejudica o entendimento da trama, também não deixa de causar um considerável e contínuo incômodo. A impressão é de que o filme veio com alguns pedaços cortados... Por outro lado, as belas coreografias e os efeitos visuais caprichados produzem um balé elemental de artes marciais que não deixa de ser fascinante para os olhos.

Nota: 6